제목
오디오 엔지니어링 디플로마로 무엇을 할 수 있나요?
소제목:
음악 제작의 끊임없는 변화와 기술의 역동성
서론:
음악 제작은 예술과 기술의 결합으로, 항상 새로운 방향으로 나아가고 변화해 왔습니다. 음악을 만들고 녹음하는 방법은 시대와 기술의 발전에 따라 계속해서 진화해 왔으며, 21세기에는 디지털 혁명과 컴퓨터 기술의 발전으로 더욱 다양하고 혁신적인 방법으로 음악을 제작할 수 있게 되었습니다. 이 글에서는 음악 제작 분야에서 끊임없이 변화하는 기술과 그중에서도 고전적인 기술에 대해 살펴보겠습니다.
본론:
음악 제작은 끊임없이 변화하며 어떤 기술은 매우 인기 있어지고 다른 것들은 사라져갑니다. 또한 마스터할 수 있는 고전적인 기술도 많이 있지만 음악 및 사운드 제작의 세계는 계속해서 진화합니다.
구체적인 제작 기술은 최종 트랙의 분위기, 품질 및 사운드에 영향을 미칩니다. 이러한 기술들은 기존 작품을 수정하는 데 적용되는 구체적인 도구 및 기술입니다.
가끔은 기술이 눈에 띄게 변화를 만들어내지만, 다른 기술은 미묘하지만 전반적인 품질을 향상시킵니다. 대부분의 사람들은 특별히 사이드체인 킥과 베이스라인을 듣지는 못하지만, 이로 인해 더 깨끗한 저주파수와 향상된 리듬을 감상할 것입니다.
음악 제작에서부터 비디오 게임 사운드 디자인에 이르기까지 다양한 분야에서 일하며, 이는 우리의 11개월 프로그램을 통해 습득한 기술 덕분입니다. 우리는 또한 여러분을 돕기 위해 준비되어 있습니다. 이미 전문 음악/오디오 프로듀서가 되기 위한 길을 걷고 싶다면, 업계 선두 강사로부터 직접 이러한 기술을 배우기 위해 OIART에 지원하세요.
2023년 어떤 프로듀서라도 알아야 할 최고의 5가지 제작 기술을 살펴보겠습니다. 이러한 기술을 설명하는 것뿐만 아니라 다음 프로젝트에서 이를 어떻게 실천할 수 있는지도 탐구하겠습니다.
1: 필터와 이퀄라이저(EQ)로 탁한 사운드 제어하기
"탁한 사운드"는 두 개 이상의 채널이 동일한 주파수 범위에서 겹치면 발생하는 주파수 마스킹의 결과입니다. 우리가 아래에서 논의할 사이드체 이닝으로 해결되는 다른 주파수 마스킹 문제와 달리, 탁한 사운드는 완전히 부적절한 주파수를 제거함으로써 해결됩니다.
예를 들어, 중고 주파수 범위에 있어야 할 스네어(snare)가 너무 많은 저주파수를 가지고 있다고 가정해보겠습니다. 이 주파수는 원하는 사운드를 생성하는 데 관여하지 않고 대신 킥 또는 베이스라인과 간섭합니다. 그래서 해결책은 필터나 이퀄라이저(EQ), 때로는 둘 다를 사용하여 원치 않는 주파수를 제거하는 것입니다.
필터와 이퀄라이저는 유사한 기능을 제공하지만 보통 다른 도구를 사용합니다. 최고의 음악 프로듀서 프로그램 중 하나를 참여하면 트랙을 믹스하고 마스터하는 데 이퀄라이저를 어떻게 사용해야 하는지에 중점을 둘 것입니다.
이 문맥에서는 물의 탁하게 만드는 주파수를 가진 어떤 트랙에 필터를 적용하거나 이퀄라이저를 수정할 것입니다. 일반적으로 필터로 시작하고 필요한 경우에만 이퀄라이저를 사용하려고 할 것입니다.
우리 스네어 예시를 사용하면, 해당 임계값 위의 주파수만 처리되도록 고저주파수 필터(high pass filter)를 채널에 적용할 수 있습니다. 여전히 원치 않는 노이즈가 많다면, 스네어 채널에 특화된 이퀄라이저를 사용하여 원치 않는 주파수를 수정할 수 있습니다.
어뷰징 된 보컬을 실험해 보세요
힙합, EDM 및 팝에서 어뷰징 된 보컬을 들어본 적이 있을 것입니다. 이 기술은 특정한 VST(Virtual Studio Technology) 플러그인을 사용하여 보컬 세그먼트를 샘플링하고 반복하는 것을 기반으로 합니다. 어떤 노래들은 훅 전체에 보컬 어뷰징을 사용하고, 다른 곡들은 백보컬 첩삭(반복)으로 사용합니다.
80년대와 90년대에는 힙합 디제이들이 서로 다른 음반에서 보컬을 섞고 스크래치 하여 보컬 어뷰징(또는 이를 선도했다고 말할 수 있음)을 구현했습니다. 지금은 주로 VST를 사용하지만, 전체적인 결과는 보컬 조작을 위한 흥미로운 방법입니다.
어뷰징 된 보컬을 만드는 방법은 사용 가능한 도구에 따라 다릅니다. 인기 있는 방법 중 하나는 Izotope의 VocalSynth2의 Shred 모듈을 사용하는 것이지만, 다른 VST나 내장 도구도 사용할 수 있습니다. 이러한 VST는 얼마나 자주 보컬 샘플이 캡처되는지 구성하고, 그런 다음 스텝 시퀀서(step sequencer)가 샘플이 어떻게 반복되는지를 지시합니다.
어뷰징된 보컬을 다른 보컬 조작과 결합하여 흥미로운 결과물을 만들 수 있습니다. 예를 들어, 보컬 시그널에 보코더(vocoder)와 코러스(chorus)를 추가하면 로봇 같으면서도 리듬적인 효과를 얻을 수 있습니다. 다양한 가능성을 실험하고 원하는 것을 트랙에 통합해 보세요.
시간 스트레칭과 음높이 변경 탐색하기
시간 스트레칭과 음높이 변경은 주로 보컬과 함께 사용되는 두 가지 조작 기술입니다. 이 두 효과는 VST(Virtual Studio Technology)를 사용하여 달성되며, 종종 DAW(Digital Audio Workstation)에 내장되어 있습니다. 이 두 효과는 다음과 같이 반대되는 기술로 간주할 수 있습니다.
음높이 변경(Pitch shifting): 이 기술은 재생 속도에 영향을 주지 않고 음높이를 변경합니다.
시간 스트레칭(Time stretching): 반면에, 시간 스트레칭은 음높이에 영향을 주지 않고 재생 속도에 영향을 미칩니다.
적절한 VST 없이 이 두 기술 중 하나를 시도하면 오디오 파일을 다룰 때 음높이와 시간 사이의 상관관계를 경험하게 될 것입니다. 트랙을 짧게 만들려고 하면 음높이에 영향을 미치고 그 반대도 마찬가지입니다.
이러한 목적에 맞게 개발 및 보급된 두 가지 VST 때문에 이제 원하는 효과만 얻을 수 있으며 이를 구성하는 여러 가지 방법이 있습니다.
음높이 변경은 알빈과 칩먼크(Alvin and the Chipmunks)의 목소리에 사용되었으며 나중에 Daft Punk의 "Technologic" 음악에서도 사용되었습니다. 현대의 VST를 사용하면 이 작업을 매우 쉽게 할 수 있으며, 원하는 채널에 플러그인을 추가하기만 하면 됩니다. "Technologic"처럼 화려한 효과가 필요하지 않을 수 있지만 미묘한 음높이 변경은 원하는 사운드를 만들 때 훌륭한 역할을 할 수 있습니다.
시간 스트레칭도 내장된 유틸리티 또는 VST를 통해 수행됩니다. 그러나 중요한 것은 시간을 조작함으로써 발생하는 팝과 글리치와 같은 오디오 아티팩트를 도입할 수 있다는 것입니다. 다양한 리샘플링 방법론이 이를 완화하는 데 도움이 되며 고품질의 시간 스트레칭 VST 또는 별도의 오디오 처리 도구도 도움이 될 수 있습니다.
두 가지 방법을 사용하는 방법을 배우고 선택한 도구를 어떻게 구성할지 완전히 이해해야 합니다. 이러한 두 기술을 올바르게 실행하면 보통의 트랙을 훌륭한 트랙으로 만들 수 있습니다.
사이드체인 마스터가 되어보세요
음악 제작에서 배워야 할 중요한 기술 중 하나는 사이드체인입니다. 이 핵심 기술은 두 개 이상의 개별 트랙이 동일한 주파수를 차지하고 서로 간섭하는 주파수 마스킹의 해결책입니다. 주파수 마스킹은 전체 트랙의 품질을 심각하게 저하시킬 수 있습니다.
사이드체인은 두 개 이상의 채널 간에 출력을 연결하여 한 채널이 다른 채널이 재생될 때 조용해지도록 만드는 방법입니다. 흔한 예로는 베이스 라인과 킥 드럼이 있으며, 이들은 항상 간섭할 수 있으며 일부 장르에서는 사이드체인을 사용하지 않으면 듣기 힘들어질 수 있습니다.
구체적인 단계는 DAW와 선택한 VST에 따라 다를 수 있지만, 일반적으로 사이드체인은 다음과 같은 단계로 수행됩니다:
조용해져야 하는 채널에 컴프레서를 적용하십시오. 예를 들어, 베이스 라인에 컴프레서를 적용합니다.
다른 채널(예: 킥 드럼)의 출력을 컴프레서의 사이드체인 감지기에 공급합니다.
이제 킥이 발생할 때마다 베이스 라인이 조용해집니다. 두 트랙을 듣고 필요한 경우 컴프레서 내에서 조정을 수행하십시오.
위에서 설명한 킥과 베이스라인의 사용은 의심의 여지없이 가장 일반적인 방법이지만, 사이드체인을 사용하여 트랙 전체에 리듬과 더 많은 다이내믹스를 추가할 수 있습니다. 예를 들어, 긴 앰비언트 패드를 사용하는 경우 이를 멜로디나 보컬에 사이드체 인하여 더 많은 리듬을 부여할 수 있습니다.
리버브를 신중하게 사용하세요
리버브(Reverb)는 종종 초보자들에 의해 과도하게 사용되거나 부적절하게 사용되어 최종 트랙의 전체 품질에 영향을 미칩니다. 그럼에도 불구하고 거의 모든 곡에서 올바른 사운드를 얻기 위해 리버브는 필수입니다.
해결책은 리버브를 신중하게 사용하는 것입니다. 리버브를 어떻게 사용하고 언제 사용할지에 대해 미덕을 갖추세요. 과도한 사용은 "리버브로 넘치는" 결과를 낳을 수 있습니다. 리버브로 넘치는 트랙을 가지고 있다는 것은 드럼이 과도하게 처리되어 멜로디, 보컬 및 코드 진행을 압도하게 만들었다는 것을 의미합니다.
리버브를 사용할지 여부를 신중하게 고려하십시오. 화려한 보컬을 만들기 위해 리버브를 뒤집어 사용하거나 스네어에 깊이를 더하기 위해 전통적인 용법을 고려하십시오. 음악 제작에 사용되는 모든 DAW는 리버브가 전체 사운드에 어떤 영향을 미칠지에 대한 다양한 매개 변수를 테스트하고 배우기 위한 일부 무료 또는 스톡 VST 플러그인을 포함하고 있을 것입니다.
시행착오를 통해 리버브 반환 레벨을 적절하게 조절하고 각 소리에 대한 믹스 공간을 만들고 원하지 않는 리버브 테일을 줄이는 방법을 배우세요. 리버브를 아끼는 것뿐만 아니라 올바르게 사용하는 것이 중요합니다.
보너스: 매일 음악을 비판적으로 듣기
더 나은 프로듀서가 되고 새로운 기술을 배우는 것은 DAW(Digital Audio Workstation)에서만 이루어지는 것이 아닙니다. 좋아하는 음악을 듣는 것은 여러분의 기술과 곡이 흥미롭고 기억에 남는 것으로 만드는 요소나 평범한 것으로 만드는 요소를 이해하는 데 도움이 됩니다.
대부분의 날에는 이미 음악을 듣는 경우가 많지만 항상 수동적으로 듣는 것이 아닙니다. 명시적이고 비판적으로 듣기 위한 시간을 내세요.
좋아하고 싫어하는 부분을 분석하고 프로듀서가 곡을 만든 방법에 대해 생각해 보세요. 이러한 중점을 두고 인기 음악이나 영원한 즐겨 듣는 곡을 분석하면 여러분의 기술을 향상하는 방법으로 활용할 수 있습니다. 같은 곡을 반복해서 듣고 필요하면 메모도 남기세요.
이것은 전문적인 요리사가 새로운 요리를 맛보고 그 성분을 분리할 수 있는 것과 같습니다. 숙련된 프로듀서는 그냥 노래를 듣는 것만으로도 분석하고 역공학을 할 수 있습니다. 다른 사람은 그냥 음식을 즐기거나 노래에 춤을 추지만 업계 전문가는 이러한 활동으로 더 많은 것을 얻을 수 있습니다.
요점
1: 디지털 리코딩의 혁신:
음악 제작의 변화는 디지털 레코딩 기술의 혁신으로 시작되었습니다. 과거에는 아날로그 테이프와 믹싱 콘솔을 사용하여 음악을 녹음했지만, 현재는 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)을 활용하여 음악을 녹음하고 편집하는 것이 일반적입니다. DAW를 통해 음악 프로듀서들은 무한한 편집 가능성을 활용하며 더욱 창의적으로 작업할 수 있게 되었습니다.
2: 가상 악기와 소프트웨어 신시사이저:
가상 악기와 소프트웨어 신시사이저는 음악 제작에서 혁명을 일으키는 기술 중 하나입니다. 이러한 도구를 사용하면 실제 악기와 비슷한 사운드를 생성하고 다양한 음악 스타일에 적용할 수 있습니다. 더 나아가, 이러한 가상 악기는 더 싼 가격으로 다양한 음악 장비를 구매할 필요 없이 음악 제작을 가능하게 합니다.
3: 인공 지능과 머신 러닝:
인공 지능과 머신 러닝 기술은 음악 제작 분야에 혁신적인 변화를 가져왔습니다. 이러한 기술을 사용하여 음악을 생성하고 편집할 수 있으며, 음악 추천 알고리즘을 통해 음악 소비자에게 맞춤형 음악을 제공하는 등 다양한 응용이 가능합니다. 또한, 머신 러닝은 음악의 트렌드와 패턴을 분석하는 데에도 활용됩니다.
4: 가상현실(VR)과 음악:
가상 현실 기술은 음악 경험을 혁신적으로 변화시키고 있습니다. VR을 통해 음악 공연을 360도로 체험하고 음악 비디오를 인터랙티브 하게 즐길 수 있으며, 아티스트와 팬 간의 상호 작용을 증가시키는 데에 활용됩니다.
5: 온라인 협업과 스트리밍:
음악 제작자들은 온라인 협업과 스트리밍 플랫폼을 통해 더 넓은 관객과 협력할 수 있습니다. 다양한 지역에서 음악 제작자들이 함께 작업하고 음악을 공유하며, 이로써 글로벌 음악 커뮤니티가 형성되고 있습니다. 또한, 스트리밍 플랫폼은 아티스트들에게 음악을 전 세계로 손쉽게 배포하고 수익을 창출할 수 있는 기회를 제공합니다.
결론:
음악 제작은 끊임없는 혁신과 발전을 거듭하며, 새로운 기술과 도구를 활용하여 음악을 더 다양하고 흥미로운 방식으로 만들어내고 있습니다. 디지털 리코딩, 가상 악기, 인공 지능, 가상현실, 온라인 협업, 스트리밍 등 다양한 기술은 음악 제작의 가능성을 확장시키고 창작자들에게 더 큰 창의성을 제공합니다.
미래에는 더욱 혁신적인 기술과 음악이 만나며, 음악을 통해 우리의 감정과 경험을 더욱 풍부하게 만들 것입니다. 따라서 음악 제작자들은 항상 기술의 발전을 주시하고 새로운 기술을 익히며, 음악의 미래를 모색해 나가야 합니다. 이러한 노력과 열정이 음악의 다음 단계를 이끌 것입니다.